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Apuntes
Peter Ablinger: Acción sonora y performance
Luis Lamadrid
Peter Ablinger es un músico de gran finura conceptual que aborda la dialéctica entre la acción sonora y la performance musical. Entendiendo acción como una idea de creación sonora que se ejecuta de manera objetiva, en el que la subjetividad del intérprete queda abolida; y, performance, como una interpretación personal de una idea musical en la que el intérprete compromete experiencia, entendimiento y sensibilidad. De tal manera que la acción es un dispositivo y la performance una respuesta individual de la idea sonora/musical.
En varias de las obras presentadas por Peter Ablinger el pasado 16 de diciembre en el CentroCentro de Madrid dentro del ciclo VANG de conciertos, ejecutadas e interpretadas por el Ensemble Phace, hay una idea de acción o dispositivo sonoro puesto en marcha y una performance instrumental que dialoga con la acción/dispositivo manteniendo una relación, unas veces, dialéctica y, otras, de subordinación.
Así pues, en «REGENSTÜCK aus: “Instruments &”», el dispositivo es la toalla mojada que gotea sobre un tambor; percusión aleatoria a la que se une la interpretación del saxo, el piano y el xilófono.
En «WEISS/WEISSLICH 4», la acción sonora se ejecuta al piano tocando consecutivamente las 88 teclas del piano, con apenas una leve interpretación por parte de la pianista, y la performance del ensamble de percusión solapándose a la acción rutinaria del piano.
Otro ejemplo de la dialéctica del dispositivo en funcionamiento rectificado por la performance lo tenemos en «WEISS / WEISSLICH 17c». Aquí no se imbrican, sino que se dan de manera consecutiva. Primero el redoble sostenido de tambor, después el ruido blanco del transistor. En este caso, ambos componentes, el interpretado y el generado, mantienen una relación de curiosa equivalencia.
Otro bello ejemplo de está dialéctica lo hallamos en «Verdopplung 4.03 (“Der Papagei”/”The Parrot”)», que se estrenó con ocasión de este concierto. La reproducción sonora de una grabación de campo en la calle de una ciudad y la descripción textual pormenorizada de lo percibido proyectada en una pantalla: dispositivo sonoro en acción más interpretación, registro sonoro y registro textual simultáneos.
En todas estas obras, nos encontramos ante una fascinante relación de composición entre lo automático de una idea en acción y la respuesta sensorial que producen los intérpretes. Una lección magistral de Peter Ablinger y el Ensemble Phace en la despedida del ciclo de conciertos VANG de 2021 en el CentroCentro de Madrid.
[ 16 diciembre 2021 ]
Interferencias. La Tatucera Online
Desde lo pitagórico
El sol , seis satélites y la luna revientan la noche.
Hoy, penúltimo día, escucho el metal desde la estela de tu voz
Alucinante y sumergida buscando el verso – ve – eso:
LATIDOS.
En la batalla las campanas arañan la niebla al contacto – con – tacto – acto.
En las manos, el abrazo y uñas ennegrecidas agujerean el dolor.
OLOR.
Sin culpa la forma acera atravesada. Aspa inmóvil <<sin culpa>> solo es <<susurro>>
en la jaula laberíntica.
Locura: LO-CURA la rana psicodélica antes de atravesar el Umbral de la blancura donde Alvin Eriksson parece yacer atravesado por lo penetrante.
MENTE. ENTE.
Así termina la <<VERSIÓN IMPROPIA>> de un escuchante aprendiz.
Conclusión: nueve-Marte cuarto planeta hermano de la tierra. Llamado el rojo.
Poema de XenarOvin Ondarrut durante la trigésimosexta sesión de La tAtUcErA Online
[ 29 noviembre 2021 ]
Fred Frith en Madrid. La improvisación en la Libre Improvisación
Luis Lamadrid.
En la sala Manuel de Falla del muy modernista Palacio Longoria, se esperaba a Fred Frith con entusiasmo y admiración. Había que estar ahí: ver y escuchar al maestro de la Libre Improvisación.
La singular estética de la sala, irreconciliable con la sobriedad y contundencia del sonido de Frith, no era la adecuada. Tampoco ayudó la desidia con la que se organizó el evento: ¿Iuminar?: para qué; ¿puesta en escena?: no hace falta, lo importante es la escucha; ¿estática en los altavoces?: no se va a notar, es música de vanguardia; ¿comprobar las conexiones de los equipos?: con la conexión inalámbrica y la tablet, no es necesario.
Fred Frith no pudo concentrarse en la improvisación porque "la otra improvisación", la de la sala, le impidió escucharse con claridad. El sonido de Manuel Borrás (piano) y Jordi Pallarés (electrónica y percusión) dominó durante gran parte del concierto hasta que se solucionaron los problemas técnicos. En dos ocasiones, Frith tuvo que abandonar el escenario al no poder oírse en el monitor. A pesar del buen hacer y la entrega, del apabullante repertorio de recursos artísticos, de las sorprendentes formas de interpretar la guitarra y de buenos momentos de comunicación entre músicos y auditorio, el concierto resultó un poco frustrante. Muchas fueron distracciones para un tipo de música en el que la cuidada atención es indispensable. Para que la Improvisación dé su mejor fruto, es necesario el rigor y la meticulosidad en el entorno que la hace posible: los aspectos técnicos, la acústica de la sala y una puesta en escena que favorezca la concentración del público y de los intérpretes.
FRED FRITH MASTERCLASS & CONCERT
Sala Manuel de Falla. SGAE.19/10/ 2021
[ 22 octubre 2021 ]
El lugar donde no se espera. Reflexiones sobre “Winterreise”
El CRISTAL DE LOS COPOS DE NIEVE
Luis Lamadrid.
Inquietante título el del recital ofrecido por Clara de Asís el pasado 29 de septiembre en el auditorio del CentroCentro de Madrid: El lugar donde no se espera, lugar sin espera ni esperanza, donde el tiempo, mitigado, apenas transcurre, tiempo cristalizado, en estado de hibernación. Escuchamos un leve y frágil sonido que en largos intervalos apenas evoluciona con la suma de otra fina capa sonora que no anula la anterior y que, de alguna manera, permanece bajo el umbral audible. Un fascinante efecto de simultaneidad virtual de los materiales sonoros que no cesan, tan solo dejan de oírse. Cada transformación del sonido se manifiesta como la huella permanente de un sonido olvidado que creímos oír con dificultad.
Esta frágil estructura musical se altera en dos ocasiones: la primera, con un torpe efecto de sonido de agua o arroyo (una suerte de deshielo), que rompe el equilibrio; y, la segunda, una distorsión electrónica, que creemos imprevista, tras de la cual, y después de un silencio, se vuelve a construir la delicada "estructura molecular" del Winterreise.
Música que, requiriendo una gran concentración, necesita un clima de intimidad que el auditorio del CentroCentro (diseñado prioritariamente para la audición) no proporciona, tanto por lo ostentoso del espacio como por la presencia de un público heterogéneo que, en algunos casos, desinformado sobre la dificultad de esta música, abandona la sala antes del final del concierto.
Dar una forma a la puesta en escena, con un dibujo de iluminación que dirija la mirada o algún elemento escénico que organice el espacio, es fundamental para corregir los inconvenientes de una sala o auditorio desfavorables. Con frecuencia, la no intervención en la puesta de escena, aunque conceptualmente neutral, es contraproducente. La nuda presencia de Clara de Asís, inmóvil en mitad del escenario del auditorio mal iluminado, sentada en una mesa cubierta por una tela negra, resulta decepcionante: distrae y condiciona negativamente la recepción de una obra de difícil escucha. Es posible que la falta intervención en la puesta en escena no fuera necesaria en una galería de arte o en un espacio pequeño bien diseñado, donde las condiciones de recepción ya han sido previstas. Pero, en este desabrido auditorio, el diseño de una puesta en escena que concentre la mirada del oyente, que también es espectador, se hace imprescindible.
Tampoco ayuda mucho en la escucha la inclusión de unos poemas proyectados al fondo en una gran pantalla. La lectura de estos poemas desconcierta la audición porque exige una cadencia y entendimiento muy distinto al de la música. Las programáticas “24 micro-secciones sonoras distribuidas en 8 momentos” que son introducidos por los poemas no dejan de ser, a mi juicio, algo accesorio e incongruente con la percepción de una obra que se ofrece como unitaria. Si quizás tuvieran una importancia esencial en la composición de la obra, creo que debieron ser desechados en la representación, y, eventualmente, recuperados después a la audición, en un momento posterior de reflexión sobre la obra.
[ 05 octubre 2021 ]
TEMPORAL FILOMENA
[ 09 enero 2021 ]
IMPROVISACIÓN LIBRE CON LUIS LAMADRID
Una entrevista de Javier G. Entonado para la revista LACARNE MAGAZINE.
[ 02 agosto 2020 ]
Jonas Mekas: improvisación en conserva
Luis Lamadrid.
Los films de Jonas Mekas son un ejercicio de imrpovisación diferida en el tiempo: un primer tiempo, el momento de la filmación, que se mantiene literalmente en una lata de conserva; y un segundo tiempo, el momento del montaje, en el que se elabora la escritura fílmica a partir de la recuperación de las improvisaciones previas en conserva según las necesidades de una obra en concreto, que es, a su vez, improvisada.
Sin embargo, sus vídeos, debido a la propia naturaleza del medio, son improvisaciones de una sola toma, de carácter más performativo, un collage en el que todas las decisiones se toman de una manera instintiva a tiempo real.
Aunque los films de Mekas gozan de mayor predicamento que sus vídeos ("Diaries"), y el autor se queja en el desierto: todo el mundo le pregunta por sus films de 16 mm. y nadie por sus vídeos; la obra de Mekas se entiende a través de la relación dialéctica, agónica quizás, entre dos medios, el cine y el vídeo, que se definen con respecto al tiempo de una forma diametralmente opuesta. El cine, arte en conserva, crea un tiempo fuera del tiempo, un tiempo que preserva. El vídeo, arte de la experiencia en vivo, tiempo que consume el instante. Cine y vídeo, la memoria y su destrucción: la incuestionable labor metafísica de Jonas Mekas.
[ 04 noviembre 2019 ]
Visionary Sounds. Entrevista a Eli Gras
Fragmento del documental “Visionary Sounds” de Pablo López Jordán, 2012, realizado por Luis Lamadrid.
Visionary Sounds es un documental sobre el futuro de la música. Está compuesto por seis entrevistas en las que músicos y artistas sonoros revelan en profundidad sus conocimientos sobre el tema. Cada entrevista es ilustrada por un videoartista diferente, dando su punto de vista personal, previendo la evolución del sonido, la música y el arte.Entrevistas: Antye Greie (De), Francisco López (ES), McCloud Zicmuse (EE. UU.), Makoto Kawabata (JP), Sonic Manipulator (AUS), Eli Gras (ES).
Video artistas: Matthias Fritsch (DE), Pablo López Jordán (ES), Ian Henderson (RU), Paolo Bernardi (IT), Luis Lamadrid (ES).Dirigido por Pablo López Jordán. ARTANDCHOKE 2012.
Idioma: inglés / español (subtítulos en inglés).
Film documental 52 min.https://sierrabonitamedia.com/2016/06/13/visionary-sounds-documental/
http://visionarysounds.blogspot.com.es/
http://artandchoke.blogspot.com.es/
[ 17 julio 2018 ]